色は空間と人をどう変える？ 建築家とデザイナーが語る色彩の力

「色のない世界を想像できるでしょうか」日本ペイントによるイベント「COLOR IS LIFE」は、その問いかけから始まった。2026年8月26日、会場は東京・原宿のWITH HARAJUKU HALL。展示、実演、トークセッションを通して、塗装による色彩が空間や人の感覚にもたらす可能性をもたらすのかを考える一日となった。

冒頭に登壇したのは、日本ペイント代表取締役社長の榎本朋夫。色が生む心地よさと、記憶に残る体験について語った。塗料は単に物の表面を彩るものではない、と榎本は言う。人の気持ちを動かし、ときにはその土地の文化さえ形づくっていく。そうした色の力を設計者や施工者、施主とのコミュニケーションに生かすために立ち上げた新ブランドが「COLORMONY（カラモニー）」だ。

この名前は「Color」と「Harmony」を組み合わせた造語で、そろえる色は1300色を超える。感覚的な領域にとどまりがちな色選びを、空間設計や施工に取り入れやすいかたちで提案していく。「色は文化をつくる力がある」と榎本は話し、彩色によって価値を見出すところから、それを実際の環境へ落とし込むところまでを支えるブランドの展望を示した。

会場では、「Creative Colour Awards」も紹介された。既存の建築や空間に色を用いて新たな価値をもたらしたプロジェクトを対象に、世界中の建築家やデザイナーの作品をたたえる、グローバルなカラーデザインアワードだ。次回の応募は今冬に始まる予定だという。

続いて日本ペイントを代表する調色機「CAN SYSTEM」のデモンストレーションも行われていた。繊細な色もわずか2分で調色し、できあがった塗料で、日本ペイントの技術者がロングセラーの「水性ケンエース」を壁に塗ってみせる。

イベントの核となったのは、「色彩にまつわる設計手法」をテーマにしたトークセッションだった。登壇したのは建築家の中山英之と藤原徹平、アートディレクター／グラフィックデザイナーの田部井美奈。モデレーターを務めたのは編集者・ライターの山田泰巨が3者の実践を手がかりに、色と光、素材、場所、人間の知覚をめぐる議論を引き出していった。

中山が紹介したのは、2021年に箱根のポーラ美術館で開催された「モネ―光のなかに」の会場構成だ。自然光の下で風景を描いたクロード・モネの作品を、箱根の森のなかで見るような空間で見せられないか。その思いから設計は始まった。

だが、展示室は地下にあり、自然光は届かない。そこで中山は、トタン板で曲線状の仮設壁を立て、市販の標準色から、モネの作品と箱根の森に呼応するグリーンを選んだ。照明も、作品ごとにスポットライトを当てる一般的な方法を採らなかった。「太陽は何個もない」。その考えて天井にスクリーンを張り、そこへ光を当て、反射したひとつの大きな光で11点の絵画と会場全体を包んだ。額縁の影はぼやけ、展示室は曇り空の下のような、影の少ない光で満たされた。

展示室の前室を暗くし、黒地に白い文字で解説を掲示したことにも理由がある。文章を読むあいだに鑑賞者の瞳孔が開き、照度を抑えた展示室が相対的に明るく感じられる。ここで色は、壁面を装飾する要素ではない。中山は色を光と素材と身体の反応をつなぐ結び目として扱い、絵を見る体験そのものを組み立てていた。

藤原は、ニュートンとゲーテの色彩論の違いを起点に据えた。色を光学的に分解できる現象であると同時にと、生命や環境との作用のなかに現れるものでもある。建築において光と色は切り離せず、素材や空間と一体になって初めて知覚される。そしてその知覚は、人間が各地で育んできた文化や歴史の蓄積でもあるという。

その考えが表れているのが、藤原が設計に携わった神戸市立垂水図書館だ。「地域の色」とは何かを探るため、設計チームは街を歩き、建築や地形を調べた。そこで目に留まったのが、旧グッゲンハイム邸と街のスターバックスに共通するグリーンだった。歴史的に定められた色ではない。旧グッゲンハイム邸に関わった誰かがたまたま選んだ色を、スターバックスが参照した。それだけのことだ。藤原は色が街の中で自然と伝播していく様子に面白みを感じ、図書館の手すりなどにそのグリーンを採用した。外壁にも、海辺の環境から建物を守る保護塗料に、ごくわずかにグリーンを加えている。

「建築の主役は人間だから、気づかないくらいに色を入れている」。強い色で建築の存在を主張するのではなく、人々の活動や土地の記憶が自然に馴染む環境をつくる。藤原の言葉は、その姿勢を示している。

田部井が紹介したのは、インテリアブランド「HAY」のショップで手がけた空間装飾だ。既存の家具が持つ形や色を拡大したグラフィックを、空間のあちこちに配した。カラフルでポップなプロダクトが並ぶ場所に、あえてノイズを加えるつもりで構想したという。天井から吊るしたのは、画用紙や印刷紙、布。色だけでなく質感も異なる。床には体育館などで使われるテープで、家具や空間に反応するように線を引いた。紙が湿度で丸まること、見る位置によって色同士の重なりが変わること。それらもその空間を形づくる一部として受け入れた。

昨年、ギンザ・グラフィック・ギャラリーで開いた個展「光と図形と、その周辺」も、偶発的な現象を作品へ取り込む試みだった。アクリル板や鏡、紙などの小さな立体を組み、そこへ光を当てて撮影する。色のついた影や反射、グラデーションを、写真を介して二次元のグラフィックへ変換していく。「自分がコントロールしきれないものに興味がある」と田部井は話す。コンピューター上では0.1mm単位で配置を決められるが、光や素材が生み出す現象は完全には予測できない。見る人が立つ位置によって印象が変わり、自分で見方を選べる。それが、空間の楽しさにつながるという。

三者の話から見えてきたのは、色が単独で完結する記号ではないということだ。光を受け、素材の質感をまとい、周囲の環境や人の動きと交わることで、その意味も見え方も変わっていく。

藤原は、会場で見た調色機「CAN SYSTEM」のデモンストレーションを振り返り、「まるで工場がポータブルになったようだ」と表現した。小学校へ持っていけば、子どもたちが自分たちで色を考え、塗料をつくり、教室を塗ることができる。使う人々が環境の形成に参加する公共建築──藤原が示したのは、そんな未来像だった。

イベントの最後に紹介されたは、創業の精神だ。1881年、創業者・茂木重次郎は国産塗料の開発に挑み、日本を明るくすることを願った。色は記憶をつくる。場所の文化を受け継ぐ。人が環境に関わるきっかけを生む。

私たちは日々、無数の色を目にしながら暮らしている。その色は誰が、どのような理由で選び、光や素材、人の動きとどう結びついているのか。いつもの街や部屋を少し注意深く見渡すだけで、空間を読み方が変わりはじめる。

編集と文・倉田佳子（GQ）